Fermi tutti, o sparo!

Tra i film proiettati a CineComedy si è intrufolato nell'ultima serata di giovedì 3 Luglio un genere cinematografico piuttosto nuovo, il mockumentary. Ovvero una narrazione documentaristica alla cui base, però, non vi è una storia o un fatto reale, bensì di totale invenzione (o quasi).

Nel quarto appuntamento del 2014 alla Casa nel Parco è stata la volta de Il Mundial dimenticato di Lorenzo Garzella e Filippo Macelloni. Il primo dei due giovani registi era presente a Mirafiori a presentare la proiezione e a condurre il giorno successivo un workshop proprio sulla realizzazione di un mockumentary.

La scelta del loro film è sembrata più che mai azzeccata proprio nell'estate dei mondiali di calcio brasiliani. Come si può facilmente intuire dal titolo, infatti, il film ci porta alla scoperta di un particolarissimo mondiale di calcio che si disputò, così ci raccontano, nel 1942 nella Patagonia argentina, ma di cui nessuno pare avere più alcun ricordo, nemmeno le istituzioni ufficiali del calcio internazionale. Quello fu l'anno in cui i campionati del mondo di calcio furono sospesi dalla FIFA per via della Seconda Guerra Mondiale che stava coinvolgendo le maggiori potenze internazionali.

Ci pensò allora un ricco e appasionato conte che viveva in Patagonia a mettere assieme le più strambe delegazioni di calciatori da tutto il mondo, per lo più operai che all'epoca erano in territorio argentino a costruire una grossa diga e che s'improvvisarono campioni del pallone. Il mondiale non riconosciuto, quello di cui nessuno parlò, fu però il più spettacolare e divertente, anche più sorprendente del 7 - 1 della Germania sul Brasile di pochi giorni fa.

L'ambientazione del film si muove all'interno di un contesto storico-sociale reale in quella parte sperduta di globo dimenticata da tutti, anche dalla guerra; un porto franco ideale dove reinventare un nuovo mondo. E qui scatta la forza de Il Mundial dimenticato, una stravagante reinterpretazione della realtà tramite un'immaginazione sognante, come quella di un bambino che si diverte in piena libertà a mischiare e modificare le carte altrimenti indelebili, e spesso dolorose, della storia.

Per Lorenzo Garzella, lo ha detto al pubblico a fine film, è stato come mettere in scena quello che da piccolo avrebbe voluto fossero i campionati di calcio: arbitri che usano le pistole per redarguire i calciatori e gare che si interrompono per giorni perché si possa sviluppare la pellicola e verificare con la moviola se la palla ha varcato la linea di porta.

Belle emozioni, nonostante il brutto tempo

Una delle cose belle di frequentare il quartiere Mirafiori, specie durante i giovedì sera alla Casa nel Parco per noi di Scena Madre, è quella di sentirsi ogni volta accolti in un salotto famigliare, dove c'è sempre un posto libero e comodo per tutti.

CineComedy ha un'atmosfera tutta sua, raccolta, che va creandosi man mano tra i tavoli con le tovaglie a quadretti bianchi e rossi della locanda fino al calar della sera, con l'inizio proiezione della prossima commedia in programma che tutti si godranno assieme sulle poche file di sedie e sdraio nel prato. CineComedy mantiene la sua identità precisa, fatta dei soliti volti così come di nuove facce che ogni volta s'affacciano, anche quando fuori piove.

Giovedì 26 Giugno è stata una di quelle occasioni. Il tempo incerto non ha fermato la programmazione della rassegna, così tutta l'attrezzatura è stata spostata sotto la tettoia della locanda e il muro esterno è rimasto bianco e si è illuminato quello della Casa nel Parco, al riparo. Il pubblico non è mancato, questa volta con uno strato di tessuto in più sulle spalle, ma come sempre puntuale e pronto a condividere il piacere della visione di una commedia.

Per il terzo appuntamento della rassegna era in programma E se vivessimo tutti insieme? di Stéphane Robelin. Una commedia francese che ha saputo mantenere costante il divertimento degli spettatori per tutti i 90 minuti. Rumoreggiavano di continuo per i dialoghi teneri e buffi dei quattro protagonisti che nell'ultima stagione della loro vita hanno deciso di far dell'unione della loro amicizia un'arma contro la solitudine. Spesso era il viagra al centro delle argomentazioni.

Una commedia che ha lasciato anche un certo sentimento di tristezza, lo si percepiva quando abbiamo approcciato gli spettatori per le interviste, a fine proiezione. Una tristezza però leggera, quella che affiora quando si affrontano con sguardo ironico i temi delicati della vita, se non dolenti, come la senilità e la morte.

E se vivessimo tutti insieme? è stato allora un film completo, che ha lasciato addosso a tutti un sentimento "pieno", vivido. Così la solita atmosfera di CineComedy è apparsa ancora più raccolta e famigliare, nonostante il brutto tempo.

Slapstick a Mirafiori

CineComedy può riservare piccole, grandi sorprese. Non solo commedie di qualità, successi italiani e europei degli ultimi anni nella famigliare atmosfera della Casa nel Parco di Mirafiori.

A CineComedy capita di veder proiettati sul muraglione bianco i film di Buster Keaton. Immagini in bianco e nero, nemmeno una parola, la musica del pianoforte a commentare l'azione, la totale espressività dei corpi e dei volti degli attori: un'esperienza cinematografica collettiva d'altri tempi, la riscoperta del piacere di una risata semplice per un uomo che scappa a perdifiato su e giù per un edificio perché rincorso da un cagnolino, ad esempio.

A presentare la serata speciale del 19 Giugno è stato Davide Ferrario, regista torinese di adozione e grande estimatore non solo di Buster Keaton, che spesso cita e intrufola nei suoi film, ma anche del quartiere stesso di Mirafiori. Nell'edizione di debutto di CineComedy aveva portato il suo Tutti giù per terra e in quell'occasione ne rimase colpito, tanto da decidere di tornarci l'anno dopo per realizzare un cortometraggio: Lighthouse.

Presentato al 70° festival di Venezia all'interno del progetto sul futuro del cinema Future Reloaded, il film mostra in appena 90 secondi lo spirito della rassegna e del quartiere: i volti sorridenti del pubblico davanti, guarda caso, a un film di Keaton e poi, pian piano, la salita a 45 metri da terra come un faro sulla città.

Il ritorno di CineComedy, terza edizione

Terzo anno, terza edizione consecutiva per la rassegna di commedie italiane e europee "CineComedy", progetto inserito nella programmazione di "un'Estate al Cinema" organizzata dall'Associazione Museo Nazionale del Cinema.

E dunque terzo anno anche per noi di Scena Madre, ormai affezionati ospiti della rassegna di Mirafiori. Ieri sera, giovedì 12 Giugno, eravamo come sempre fuori dalla Casa nel Parco, armati di microfono, telecamera e quella nostra solita, bella domanda: "Ci racconta la scena che l'ha colpita di più?". E come ogni volta, il pubblico di Mirafiori non ci ha deluso.

A giorni sarà online la prima clip dell'estate 2014 di Scena Madre, intanto godetevi alcuni scatti dalla prima serata. Il film in programma: La banda di Eran Kolirin. E a proposito di banda, ce n'era una vera, ieri sera. A introdurre la proiezione, si è esibita dal vivo la Filarmonica di Mirafiori...

un'Estate al Cinema

Passato l'intenso inverno al TFF, Scena Madre torna in carreggiata grazie a una rassegna già incontrata un anno fa: CineComedy.

Proprio il festival della commedia europea che accompagna l'estate di Torino sud, nel quartiere di Mirafiori, da metà giugno a fine luglio. Anche quest'anno un'ampia scelta di film di livello che toccano più volte l'Italia per poi lasciar spazio alle tappe europee in Repubblica Ceca, Francia, Inghilterra. Sette commedie di successo che intendono far divertire anche nei giovedì dell'estate 2013 il pubblico di Mirafiori.

La nuova edizione di CineComedy ha però qualcosa di speciale in più rispetto al passato. La rassegna rientra infatti nel ventaglio di eventi cinematografici di assoluto livello sotto il nome di "un'Estate al Cinema", iniziativa dell'Associazione Museo Nazionale del Cinema.

54 film su 6 differenti location in Torino e fuori provincia, da giugno ad agosto, per celebrare un traguardo di tutto rispetto per l'associazione: il sessantenario dalla fondazione, avvenuta per mano di Maria Adriana Prolo nel 1953.

Scena Madre non poteva dunque perdersi un'occasione così speciale per tornare a porre la sua solita, interessantissima domanda: "qual è stata la tua scena madre del film??".

Per conoscere le risposte basta controllare settimanalmente il nostro blog dedicato alla rassegna:
www.scenamadre-cinecomedy.blogspot.it 

ALLA FINE DEL VIAGGIO

E' stato un bellissimo festival della commedia europea. Ogni settimana CineComedy ci ha raccolto tutti quanti nel cortile della Casa nel Parco, giù a Mirafiori, più o meno quando si cominciavano a intravedere le prime stelle. Eccoci là, pronti a essere lanciati per due ore dentro nuove storie appartenenti a tempi e paesaggi sempre diversi tra di loro.

Otto serate lungo un'intera estate. Otto tappe per un viaggio fatto di leggerezza, tanti sorrisi, a volte risate, altre lacrime, ma mai di tristezza.

Sono passati tre mesi dalla partenza della rassegna, era metà giugno. Qualcuno in maglietta e pantaloncini lo si vede ancora oggi, ma le prime maniche lunghe sono già rispuntate dagli armadi, specie la sera. Tre mesi dopo siamo ormai prossimi all'autunno, il momento ideale per ricordare le cose belle successe quando maglietta e pantaloncini andavano bene a tutte le ore.
E' tempo di sfogliare l'album con le istantanee migliori del viaggio. CineComedy non ci ha lasciato fotografie, ma scene madri; abbiamo preso parte alla spedizione per questo.

Abbiamo amato soprattutto momenti di gruppo, dove le energie, il folklore e le emozioni di uomini e donne si aggregavano e risuonavano più forti. E' successo quando i "matti" della Cooperativa 180 hanno cantato sguaiati e felici dentro al pulmino che li riportava dalla gita con le prostitute. Anche il borghese agente di cambio Joubert s'è illuminato quando ha incontrato quasi per sbaglio un gruppo di donne, le spagnole che vivevano al sesto piano del suo condominio, un covo sconosciuto di vitalità e dolcezza.

Qualche settimana prima, nella nostra Torino, Walter aveva tentato il riscatto dalla noia della sua vita proprio quando molti dei suoi parenti e conoscenti erano radunati al funerale della zia. Lui li ha sfidati tutti, ha voluto dare all'unica donna che ha amato nella sua vita un finale inaspettato: ha tolto il freno a mano al carro funebre parcheggiato in discesa e tutti si sono lanciati pieni d'affanno all'inseguimento.

Quando poi siamo arrivati in Francia, accolti nel lusso del Théâtre du Châtelet, è stata proprio una folla estasiata dalla musica di Čajkovskij a testimoniare il ricongiungimento del difficile passato del direttore d'orchestra Andreï Filipov e la violinista Anne-Marie, culminato nell'ultimo abbraccio.

CineComedy ci ha permesso di sbirciare anche frammenti di storie più intimi, dove la solitudine dei personaggi è stato il terreno in cui si coltivava il finale, le scelte importanti della storia. Come quando la stessa Anne-Marie, chiusa nella sua stanza, ha trovato il coraggio di mettere sul giradischi un vinile del maestro Filipov e infine di alzare la cornetta per accettare di suonare assieme a lui.

Altri piccoli momenti ci sono passati davanti agli occhi un po' ovunque, ad esempio in Bosnia, quando l'ingegnere Luka, in preda a delirio da febbre, ha sognato un viaggio a bordo del suo letto sopra i luoghi della sua infanzia, insieme al figlio partito per il fronte. A Napoli, invece, Alfonso era ancora sotto shock dopo l'omicidio avvenuto sotto ai suoi occhi quando dal tetto dell'edificio in cui si rifugiava ha visto tutto d'un tratto palloni illuminati levarsi verso il cielo, una magia capace di distoglierlo dalla crudeltà della vita.

Ma CineComedy è stato anche un commissario che da cattivo della storia è diventato buono grazie a un ananas, un vestito giallo a fiorellini accuratamente piegato e confezionato nella carta, un bambino che non sapeva raccontare le proprie origini, troppo lontane da non poter stare nemmeno sulla mappa dell'Europa, un asino che piangeva perché innamorato, lo stesso asino che ha evitato il suicidio di un uomo disperato piazzandosi sui binari di un treno.

L'estate, il viaggio sono ormai terminati. Si possono anche fermare i ricordi adesso. Tra qualche tempo potranno tornare materia viva, essere il punto di partenza per nuove avventure, nuove tappe. CineComedy, e le sue scene madri, ci dicono semplicemente "arrivederci".

TAPPA FINALE, Almanya - La mia famiglia va in Germania

Una bandiera per ogni bambino della classe, una bandiera per ogni famiglia e ogni paese. La maestra le ha già posizionate tutte sulla cartina dell'Europa alle sue spalle, tranne una. E' la bandiera del piccolo Cenk. “Da dove vengono i tuoi genitori?”, gli chiede la maestra. “Anatolia”, dice lui. Ma sulla cartina l'Anatolia non c'è, un punto così distante della Turchia da non essere neanche Europa. Per la bandiera di Cenk l'unico spazio rimasto è la parete bianca.

Cenk è il nipote tedesco del turco Huseyin, è il figlio turco della tedesca Gabi. È un bambino di dieci anni che non sa da dove viene. E nel faccino triste di Rafael Koussouris, l’attore che lo interpreta, io mi sono riconosciuta perché tante volte mi sono chiesta da dove vengo, se a definirmi sono le mie scelte o quelle di chi è venuto prima di me. Se sono romana come mio padre, se sono ciociara come mia nonna o se sono torinese come ho scelto di essere, dove è che io mi riconosco?

Così mi sono imbarcata con Cenk e la sua famiglia per il viaggio che è “Almanya – La mia famiglia va in Germania” di Yasemin Samdereli, un viaggio lungo tre generazioni dalla Turchia alla Germania e ritorno.

Alla guida dello sgangherato pulmino c’è Huseyin, il capofamiglia, espatriato dall’Anatolia negli anni ’60 verso la Germania alla ricerca di un benessere sognato, raccontato dai giornali, bisbigliato tra gli abitanti del villaggio, e che ora ritorna in patria, convinto di trovare finalmente la serenità per la vecchiaia in una casa da ristrutturare nella campagna.

Si porta dietro tutta la famiglia, la moglie Fatma, i quattro figli, i due nipoti e la biondissima nuora tedesca. E mentre viaggiamo la nipote Canan ci intrattiene con tutti i ricordi del passato: il primo incontro dei nonni, la nascita dei genitori, i sogni di bambini.

Questo incrociarsi di presente e passato è il cuore ben riuscito del film. Catturati in un movimento fluido e regolare, scivoliamo nel passato e poi torniamo a vivere portandoci qualcosa, un pezzo in più del puzzle della nostra identità. Cosa sognava la mamma da piccola? Come dormivano gli zii quando erano poveri e condividevano il letto? Come si sono incontrati il nonno e la nonna? È una bilancia perfetta, ogni ricordo ha una risposta, nulla si perde, tutto si spiega, tutto si rivela.

Si rivela il segreto di Canan, che si riscoprirà più vicina alle donne della sua famiglia, si rivela la paura di Muhamed, che in Germania ha perso tutto e deve trovare un nuovo sogno, la bugia di Fatma, il timore di Alì. Tutti nascondono un segreto e ogni chilometro ci avvicina a casa e alla verità.

“Almanya” racconta il senso di spaesamento, il dolore dell’espatriato, il ritorno a casa con leggerezza e ironia. Sulla scia delle commedie sul fraintendimento culturale come i più famosi “Sognando Beckham” e “Il mio grosso grasso matrimonio greco”, “Almanya” si inserisce perfettamente nel filone prendendosi uno spazio tutto suo, decidendo di non lasciarsi mai andare alla banalità della vita di coppia ma concentrandosi sulla famiglia.

Pur incappando qua e là in momenti meno brillanti e peccando di originalità in alcuni punti, “Almanya” è una di quelle commedie piccole e preziose di cui si ha molto bisogno, un po’ per piangere ma soprattutto per ridere.

Chiara Marchetti

TAPPA N°7, Il concerto

La giovane violinista Anne-Marie trova nella sua camera una lettera lasciatale dalla donna che l'ha cresciuta e che ora è la sua agente, Guylène. La donna vuole convincerla a suonare il concerto di Čajkovskij, le ha lasciato lo spartito di Lea, che lo eseguì trent'anni prima. E forse, continua, al termine del concerto riuscirà a scoprire la verità sui suoi genitori, che non ha mai conosciuto. Anne-Marie dà un'occhiata allo spartito, poi mette sul giradischi un vinile di Andreï Filipov, il direttore d'orchestra a cui ha detto no. Abbandonata sulla poltrona, Anne-Marie ascolta in solitudine la musica. Sembra riflettere. Poi si decide ad alzarsi, raggiunge il telefono e compone un numero: ha accettato, suonerà il concerto di Čajkovskij.

Proprio nel momento in cui la miracolosa riuscita del concerto al Théâtre du Châtelet sembra dover fallire, quando Andreï Filipov ha già rinunciato al sogno di potersi esibire con la giovane e talentuosa Anne-Marie, ovvero quando le parole si sono rivelate insufficienti e troppo difficili per spiegare storie lontane nel tempo, ecco che arriva la musica in soccorso a salvare il tutto.

Bastano i dettagli di uno spartito e di un vinile, la puntina del giradischi, l'avvicinamento lento della macchina da presa verso Anne-Marie, vista di spalle assorta nell'ascolto, come una crescente ondata di note e armonie sul punto finalmente di conquistarla.

"Il concerto" di Radu Mihăileanu è un autentico elogio alla musica, raccontata nelle sue sfaccettature e funzioni più diverse e sempre sinonimo di motore di vita.

La musica nel film è il collante di amicizie lunghe decenni, come quella tra i membri della sgangherata banda di ex musicisti che resero celebre il Bolchoi di Mosca e finiti a svolgere le mansioni più disparate, chi autista di ambulanze e chi doppiatore di film porno. La musica riscopre anche sogni mai davvero sopiti, come quello di Andreï Filipov di tornare alla ribalta dirigendo per l'ultima volta quel concerto interrotto dal Partito Comunista trent'anni prima, quando era una star internazionale: il concerto per violino e orchestra di Čajkovskij.

"Il concerto" è così il traghettatore ideale e appassionato del potente valore universale di cui è dotata la musica, un valore che si dimostra in grado di superare persino quello delle parole, spesso ingannatrici, imprecise, inadatte. Il film, infatti, porta avanti una sottotrama che coinvolge i personaggi principali, Andreï e Sacha, aldilà delle complicate vicende legate al viaggio dalla Russia alla Francia verso il fatidico concerto del riscatto.

Poco alla volta s'intuisce la presenza scomoda di un triste episodio del passato che è stato tenuto segreto per molto tempo. Un episodio che ha fortemente a che fare con Parigi, con quel concerto e con Anne-Marie, una delle migliori e più giovani musiciste tanto voluta da Andreï per il suo ritorno sul palco.

Un episodio però difficile da raccontare, che tuttavia, se solo le parole fossero materia più facile, saprebbe far luce su molti nodi cruciali delle vite dei personaggi, liberandoli definitivamente da prolungati sensi di colpa, è il caso di Andreï, o dall'ignoto in cui sono sprofondate le origini familiari di Anne-Marie.

E allora eccola, la musica, venire in soccorso alla storia. Fiduciosa nella  sua dote salvifica, finalmente convinta, Anne-Marie solleva la cornetta e accetta di prendere parte al concerto con il suo idolo, il maestro Andreï Filipov. Quella finale è una scena lunga, un crescendo che copre l'intera durata dell'esecuzione. Lui si volta a guardarla spesso, la deve dirigere a ritmo di bacchetta, ma nel frattempo, con lo stratagemma filmico della voce fuori campo, le racconta, e racconta anche a noi pubblico, quel segreto sotterrato troppo a lungo: trent'anni prima, Andreï fu responsabile della cattura dei genitori della giovane donna. Loro erano musicisti della stessa orchestra e soprattutto Lea, la madre, era la sua musa ispiratrice. Erano però colpevoli di essere ebrei e furono deportati e morirono nel gelo e nella pazzia.

Il film si conclude quando l'ultima nota lascia spazio all'applauso scrosciante del pubblico del Châtelet in delirio. Infine l'abbraccio tra il direttore d'orchestra e la violinista fissato nel fermo-immagine. Tutto è stato finalmente spiegato, il cerchio si chiude con tutti i fili della storia rientrati in ordine nello stesso gomitolo.

In fondo i due non si sono nemmeno parlati. E' bastato il trasporto della musica, del linguaggio non verbale più puro e chiaro che ci sia.

TAPPA EXTRA, La maschera del demonio

La scena è in un bianco e nero molto contrastato. Ci sono due uomini vestiti con abiti d'epoca che stanno scendendo una scala che conduce in un'ampia cripta. Ci sono archi, pietre antiche e ragnatele e tutta la loro discesa è accompagnata da una musica per nulla rassicurante. “Su queste pietre è scritta la storia dell'intera Moldavia” chiosa il più anziano dei due – si vede che è anche il più coraggioso – l'altro – più “giovane e bello” – lo ascolta, ma e visibilmente impaurito.

Nella cripta c'è una bara – è un classico diremmo. Sì esatto, lo è in tutto e per tutto – e sulla bara una croce di pietra. L'adulto istruisce il novellino: la croce serve a non risvegliare la strega della leggenda – ci fidiamo che non c'è niente di buono a risvegliare una morta – e la maschera di bronzo che ha sul volto la rende vittima di un sortilegio.

Ok, fermiamoci qui, ma poi ritorneremo a guardare ancora un po'. Che cosa succederà nei prossimi minuti lo sappiamo benissimo. Non abbiamo neanche bisogno di immaginarlo: lo sappiamo. La strega resusciterà. Non vogliamo altro da un film così. Bastano pochi minuti per capire che cosa stiamo guardando e basta ancora meno per capire cosa ci aspetterà. La Maschera del Demonio di Mario Bava però ha dalla sua che è stato il primo. Dopo sono arrivati cinquant'anni di aggiornamenti e variazioni sul tema, ma la cripta con la bara è rimasta quella lì e una strega non resta mai troppo tempo inattiva.

Com'erano quindi i film cinquant'anni fa? Cosa si sono portati dietro, cosa ci hanno lasciato e cosa manca oggi ai contemporanei di quel modo di fare cinema? Stringiamo il campo. Entriamo nel genere. Le coordinate sono: Horror – Italiano – inizi degli anni 60.

Il primo e forse unico nome che viene in mente è quello di Mario Bava. Ma noi stringiamo ancora: zoomiamo dentro La Maschera del Demonio – il suo esordio ufficiale dietro la macchina da presa – e arriviamo a quella scena a circa dieci minuti dall'inizio del film. Come se avessimo fatto zapping fino adesso e fossimo finiti qui per caso senza conoscere niente di ciò che è accaduto prima e di quello che accadrà dopo, proviamo a dare una risposta a quelle domande iniziali.

Il filone gotico deve tanto alla Maschera del Demonio e film come la saga di Twilight, il mistero della strega di Blair o il recentissimo La leggenda del Cacciatore di Vampiri hanno nel loro DNA impresso questo gioiellino di forma e di genere che ha confezionato Mario Bava.

Qualcuno sogghignerà pensando a Edward Cullen e Bella affiancati a Barbara Steele e al suo viso inchiodato dalla Maschera del Demonio. È legittimo. Come legittimo sarà ridere di gusto vedendo il seguito della scena. Però, c'è un però. Il professore è affascinato dalla strega, il suo assistente un po' meno così con una scusa si volatilizza. Il professore ora è solo a studiare la sua mirabile scoperta quando da un loculo esce fuori un pipistrello enorme che lo attacca. Egli si difende col suo bastone, lo stende con un colpo di rivoltella e poi infierisce sul corpo agonizzante talmente forte da rompere la croce di pietra sopra la bara della strega Asa. Sembra avvincente come scena e invece tutto è permeato dai ghigni del pubblico che non può non percepire l'ingenuità tecnica nella realizzazione di un pipistrello di cui si vede solo un'ala di plastica pelosa e un'ombra di cartone su un muro.

Se solo avesse avuto After Effects, Mario Bava avrebbe reso la scena del pipistrello degna di un action-movie. Però. Ecco il nostro però. Però forse il bello nel guardare un film horror di cinquant'anni fa sta proprio qui: nell'ammirare quel coraggio, quella voglia e quel desiderio di meraviglia che avevano i cineasti del tempo, il loro mettersi in gioco costantemente, il loro artigianato artistico.

Ce lo vedo Mario Bava esaltato e infervorato che dirige l'attore dicendogli: “Colpiscilo! Più forte! Non preoccuparti che è di plastica!”. Non pensate sia davvero eroico? I film di cinquant'anni fa erano fatti da eroi. Eroi veri.

Ghignare non cambierà la storia. Ghigniamo pure guardando il pipistrello di plastica pelosa, Mario Bava capirà, perché lui sarà stato il primo a riderci su.

Dark0

TAPPA N°6, Le donne del 6° piano

Dolores compone il numero, gli occhi sembrano uscirle dalle orbite. Lacrima e ride contemporaneamente. "È nato, è nato, il bambino è nato! 4 chili e mezzo! Il bambino sta bene, sta bene!!!". La donna spagnola si trasforma in un concentrato di gioia allo stato puro. Condivide con il signor Joubert, incredulo, tutte le informazioni del caso e lo abbraccia. Lo stringe così forte da fargli male e lo ringrazia con le parole e con gli occhi.

Dolores è una delle serve spagnole, rotonda e ricciuta, un viso sempre sorridente. Ce ne sono di espressioni così, io penso che queste persone regalino gioia, di continuo e che sia difficile capire quando sono tristi davvero. Perché loro sorridono, a discapito di tutto.

Dolores ha un problema, è lontana dalla Spagna e sua sorella ha partorito. Non può pagarsi un viaggio nella sua terra, neanche per un evento del genere. Non può andare e tornare, come farebbe qualsiasi studente o lavoratore fuori sede negli anni 0. Non può concedersi il lusso di respirare un'atmosfera differente, solo per qualche giorno. Dolores ha lasciato la Spagna per sempre, come tutte le altre serve spagnole. E così sarà quando, e se, deciderà di lasciare la Francia, per sempre. Niente oscillazioni, niente ripensamenti per Dolores e le sue compagne.

La Francia è un appartamento fetido ma colorato al 6° piano di un palazzo borghese da condividere con tutte le altre donne iberiche, un bagno dove si rifiutano di far lunghe soste, spazi angusti e tante risate, prese in giro, lacrime e abbracci, ma soprattutto sorrisi.

Il grande problema di Dolores oggi è che sua sorella ha partorito e lei non solo non può andarla a trovare, ma non sa neanche come chiamarla, per sentire la sua voce e chiederle di più, tutto quello che da un telegramma non è possibile apprendere.

Il signor Joubert, che appare all'inizio del film come il più borghese tra gli agenti di cambio, interviene a suo favore e le permette di usare uno dei telefoni del suo elegante appartamento parigino. Nel godersi finalmente un momento intimo della propria vita, Dolores riesce comunque a farlo sentire importante e gli trasmette tutto il suo affetto e la sua riconoscenza, come solo un non borghese sa fare, come forse anche il signor Joubert lentamente imparerà durante la deborghesizzazione nata al 6° piano di un palazzo parigino.

Serena Blasi

TAPPA N°5, Si può fare

Nello, il dottor Furlan e i membri della cooperativa viaggiano sul pulmino. Sono a loro modo pettinati ed eleganti come per un'occasione importante. L'atmosfera è tesa, qualcuno tossisce dal nervosismo, gli altri tacciono. Nello chiede a Nicky, l'autista, di passare in terza per far più veloce, ma come al solito lui si rifiuta. Furlan prova a intonare una canzone, senza riscuotere successo.

Il pulmino arriva al bordo di una stradina. I ragazzi sono tutti in fila davanti a due prostitute che chiedono: "Ma siete tutti matti voi?". Loro ridono, parte la musica di That's amore e subito dopo li ritroviamo sul pulmino di ritorno dalla "gita". Ora tutti assieme cantano divertiti, gridando e agitandosi sui sedili. Improvvisamente il mezzo compie un'accelerata: Nicky ha ingranato la terza come mai aveva fatto prima. La festa continua ancora più fragorosa.

A volte, un viaggio verso la libertà può prevedere anche una tappa sul ciglio della strada. Un po' di sano sesso liberatorio e la meta che si vuol raggiungere può apparire più vicina. Di sicuro lo è per i membri della Cooperativa 180. Loro, grazie all'ex sindacalista Nello, imparano nel corso della storia a diventare finalmente adulti, esseri sociali coi loro doveri e diritti, valorizzati per le specifiche qualità di ognuno. Loro che, a differenza di molti altri nell'Italia dei primi anni '80, vengono salvati e si salvano, con il proprio sforzo e impegno, dal diventare scarti di manicomio sedati dai medicinali.

“Si può fare” è così un viaggio di speranza, come già il titolo suggerisce. E' la frase che Nello ripete in continuazione ai suoi ragazzi sin dal primo momento, quando li raduna per conoscerli e decidere tutti assieme quali saranno gli obiettivi della cooperativa. Optano per diventare posatori di parquet, anche se qualcuno ambiva a diventare presidente, di cosa di preciso non si sa, e qualcun altro più fantasioso voleva invece essere sceriffo. Creato il gruppo di lavoro, mostrate ai suoi membri le regole su come si gestiscono in democrazia le scelte e i ruoli di ciascuno, la storia si sviluppa in un crescendo di ottimismo per il futuro prossimo di persone fino a poco prima considerate dalla medicina ufficiale incapaci di inserimento nella vita sociale dei "normali".

Ossi, spilungone timoroso e senza idee. Nicky, che sta per Nicky Lauda perchè lavorava negli autodromi. Luca, irascibile e tenebroso. Fabio, precisino e determinato. Sono soltanto alcuni, ma ognuno di loro sa mettersi in luce per e con gli altri a modo proprio, amabilmente, spesso facendoci divertire, sorridere con tenerezza per quelle maniere e trovate infantili, ingenue di dire la verità, di esporsi senza filtri davanti a nuove dinamiche, nuove avventure. I ragazzi della Cooperativa 180 sono come dei bambini che, grazie a Nello, s'affacciano oltre l'incubatrice del manicomio per esplorare l'età dell'adolescenza, dove si sperimenta e si cresce all'insegna del motto "si può fare".

La leggerezza dei toni del film fa dimenticare per lunghi tratti i problemi reali che coinvolgono i ragazzi. Non viene calcata la mano sulle loro drammatiche back-story, alcune delle quali riguardano anche omicidi familiari. Queste vengono soltanto accennate a sprazzi, per tracciare le linee del contesto, ma non sono mai davvero dominanti a creare una cappa di pesantezza sulla tematica del disagio mentale. Noi li seguiamo e tifiamo per loro, per quello che stanno costruendo nel presente, nella nuova condizione finalmente di uomini sulla via dell'indipendenza e realizzazione.

Lo facciamo con la passione che si potrebbe avere per il piano di un super-eroe per salvare il pianeta, perché sappiamo che con la loro costanza e un entusiasmo così fresco, facile sì ma potente, le cose potranno andare bene. Addirittura si arriva vicini alla storia d'amore, tra Gigio e una ragazza presso cui la cooperativa ha eseguito dei lavori. C'è spazio per un ballo tenero in discoteca, e poi un bacio. E pensare che il contatto con una donna era faccenda estranea fino a prima, almeno fino a quella gita recente a bordo del pulmino.

A questo punto, quasi necessariamente, la storia compie la sua virata drammatica: Gigio viene trovato impiccato dopo che aveva ascoltato di nascosto le parole piene di offensiva misericordia nei suoi confronti da parte della ragazza. E' un colpo duro, per il gruppo guidato da Nello ma anche per noi spettatori. Tutto sembrava poter non fallire, come un gioco che entusiasma e cattura e che va avanti all'infinito perché il bonus di vite non si esaurisce mai. La realtà invece s'impone brusca, senza remore, facendo cascare una pioggia pesante di dubbi e sensi di colpa su chi, come Nello, aveva tentato una via "normale" per chi la normalità del mondo non l'aveva mai vissuta.

Una battuta d'arresto che non ferma però l'andamento positivo del film. La forza trascinatrice dei personaggi supera persino i ripensamenti di Nello sul progetto. Tutti assieme, con la dolce leggerezza che potrebbe dimostrare un bambino, sorpassano il dramma e si riuniscono per continuare. Continuare a fare parquet, stavolta addirittura a Parigi. Continuare quel viaggio che ha fatto tappa sul ciglio della strada con delle prostitute. Un passaggio dalla seconda marcia alla terza verso la speranza.

TAPPA N°4, Into Paradiso

Alfonso è sotto shock dopo aver assistito all'omicidio giù in strada. Al buio del rifugio che ha trovato in cima a un edificio fatiscente, parla al telefono col suo mandante, il politico Vincenzo Cacace. Alfonso si guarda attorno, vede cose strane come statuette di pastori e angioletti. Prova a fornire delle indicazioni mentre esce all'esterno. Si trova su un tetto, da un lato non può affacciarsi perchè ci sono "quelli", dall'altro invece... Alfonso si ferma e smette di parlare per un attimo. Nel cielo notturno davanti ai suoi occhi compaiono come per magia palloni illuminati volanti, che salgono lentamente dalla strada. Vincenzo, dall'altro capo del telefono, non capisce cosa stia succedendo, poi cade la linea. Alfonso rimane ad osservare lo spettacolo, in silenzio.

Della solita Napoli ci sono poche tracce in "Into Paradiso". Geograficamente parlando, la città sembra non esistere, fatta invece di microcosmi isolati come l'edificio della comunità srilankese e del suo cortile festante, oppure l'enorme spazio vuoto, freddo, dove ha base la cosca mafiosa.

I personaggi che popolano la storia assumono sfaccettature e spessore tanto più sono distanti dall'immagine tipica della città, quella che spesso si conosce dalla cronaca, con i boss e i loro fedeli seguaci dal grilletto facile. Questi sono infatti tratteggiati come buffe macchiette che dovrebbero incutere timore con quelle facce torve e occhialoni scuri da malvivente, ma che in fondo hanno una vocina stridula, si addormentano accasciandosi uno sull'altro e fanno fatica a raggiungere l'ultimo piano di un palazzo perché un po' sovrappeso.
I protagonisti della Napoli del film sono invece loro, i membri della comunità srilankese che finiscono in qualche modo coinvolti nelle vicende del personaggio principale, Alfonso D'Onofrio. Un inaspettato ribaltamento di prospettiva che fa di questa fetta di città, silenziosa e ai margini, l'elemento vitale della storia. Ci sono i colorati riti buddisti racchiusi tra le mura di un cortile, i rapporti teneri di uomini con le proprie donne ma anche con cugini che arrivano dal paese natale pieni di aspettative per l'Italia, il lavoro al servizio di dimore di ricche signore capricciose.

A essere accolto come un clandestino tra le braccia della comunità srilankese è proprio un autoctono di Napoli, il protagonista Alfonso D'Onofrio, in fuga da un fattaccio che lo ha visto testimone. E quello che colpisce, oltre all'inedito focus puntato su chi di solito sta ai margini, è come quest'uomo dai modi impacciati, la testa sulle nuvole e senza alcun reale legame con chi lo circonda, sembri in fondo a suo agio nella convivenza forzata con persone da lui tanto distanti.

Il mondo che invade per sbaglio nel tentativo di salvarsi la pelle diventa l'ambiente ideale per la realizzazione delle sue fantasie, del suo benessere. Alfonso si atteggia finalmente da duro quando riesce a tenere in ostaggio l'uomo che l'ha incastrato mettendolo in pericolo, lo scaltro Cacace. Lo lega a una sedia, lo imbavaglia e ogni tanto lo minaccia con la pistola. Alfonso fa il romantico con Giacinta, la fa danzare e in un viaggio mentale tutto suo addirittura la sposa con una cerimonia tipica, tutta fiori e abiti e pendagli preziosi. Alfonso pensa di poter confessare la propria innocenza immaginando un ufficio di commissariato improvvisato proprio sul tetto nel quale si sta rifugiando.

Lui, ricercatore universitario fino a poco tempo prima, passava le ore in laboratorio al microscopio ad osservare i movimenti delle cellule che si separano, poi si uniscono e si fondono, a studiare come le minuscole particelle che ci compongono comunicano e cooperano tra di loro.
Finalmente, in quella Napoli nascosta, anche Alfonso sembra aver trovato la strada per sentirsi utile e vivo per sé e per una comunità. Una strada che assomiglia al passaggio dentro un sogno, un piccolo paradiso dove il cielo per qualche attimo non è blu soltanto, ma si riempie di luci volanti.

TAPPA N°3, La vita è un miracolo

In preda al delirio da febbre alta, Luka viene curato da un vecchio saggio del paese e dalla nuova compagna Sabaha. Luka chiede all'uomo se ha visto Miloš, suo figlio partito per la guerra. Il vecchio chiude gli occhi, si concentra e risponde che sì, sta bene, lo sta visualizzando. Luka sorride e s'addormenta in un sogno. In volo a bordo del letto, attraversa i paesaggi della sua vita e vede dall'alto se stesso con Miloš intenti ad abbattere un albero, proprio come lui faceva con suo padre da ragazzo.

Arrivati quasi alla seconda ora di film, fa persino un po' effetto veder partire un momento dedicato al sogno vero e proprio, a uno spazio fuori dalla realtà sottolineato dal volo magico sopra quella Bosnia mostrata fino a prima con uno sguardo profondamente radicato a terra.

Kusturica è un maestro nel trattare la materia umana che lui conosce, quella della gente del suo paese con i suoi vizi e tradizioni fortemente radicati. Lo sa fare con delicatezza, nel senso che i suoi personaggi sono lo specchio fedele, a volte impietoso ma sempre realistico, delle tante sfaccettature che gli esseri umani sanno riservare.

Una delicatezza però sfacciata, perché non ci sono patinature ad alleggerire i toni e i volti del film. Tutto è messo in scena come un vortice frenetico fatto di sogni assurdi come l'Australia, spari e mitragliate per una festa o per una battaglia, canti e balli spensierati, sogni spezzati come quelli di un giovane calciatore che finisce nell'esercito, bugie e tradimenti, animali presi dalle stesse emozioni e conflitti degli uomini. I personaggi sono quasi macchiette circensi a volte, esagerati e buffi a ricordare in qualche modo il primo Charlie Chaplin.

Intorno a questo caleidoscopio, s'insinua la nascente guerra dei Balcani che nei primi anni '90 colpì e dissolse la Jugoslavia. Diversi snodi della trama sono legati al conflitto, che entra direttamente nelle vite dei personaggi: il figlio Miloš viene arruolato, le truppe invadono il paese di montagna, Sabaha è ferita in un agguato, per citare degli esempi.

Ma con la sua formidabile abilità, il regista non cade nella trappola di politicizzare con evidenza la storia, né di farne uno spaccato della vita durante una guerra. Kusturica, infatti, non perde mai d'occhio quella materia umana che nel bene o nel male sa cavarsela, sa distrarsi da ciò che la ferisce, cadere negli stessi errori anche una seconda volta, se non una terza, innamorarsi ancora, confidarsi delle proprie paure e desideri, conseguire sogni assurdi, crederci sempre. Una materia così bella che ti lascia a bocca aperta, come quando un uomo abbraccia e bacia un'asina che lo ha appena salvato dal suicidio.

E' questo ciò che conta nel film. Tutto il resto sembra un espediente per poterlo raccontare. E allora forse ecco perché fa persino un po' effetto trovarsi a un certo punto davanti al sogno di Luka: in fin dei conti, la vivida realtà che ci aveva raccontato Kusturica per quasi due ore era già stata qualcosa di simile. Un volo, un sogno, un miracolo, appunto.

TAPPA N°2, Tutti giù per terra

Funerale della zia. Nel cortile della casa in campagna, la bara viene caricata sul carro funebre, i parenti sono radunati tutt'attorno nel cordoglio. Alle loro spalle si fa largo Walter. Quatto raggiunge il mezzo, s'affaccia nell'abitacolo, l'autista non c'è. Dall'altro lato, oltre il finestrino, due addetti alle pompe funebri lo osservano incuriositi. Walter li sfida con un sorriso da canaglia, liberatorio, poi toglie il freno a mano. Il carro funebre comincia a scendere giù dalla stradina e tutte le persone, sbalordite e preoccupate, si lanciano all'inseguimento.

Ralenti, basso elettrico incalzante, come a preparare un momento epico. Eccolo: Walter davanti a tutti compie un gesto folle, coraggioso. Come un eroe, rimane fermo su in cima ad osservare gli altri, gli sconfitti, scivolar giù verso valle.

Questa scena del film sembra finalmente consacrare la liberazione da tutto quel senso di frustrazione e inettitudine di cui è impregnato il protagonista, la sua intera storia. Dopo aver soltanto immaginato di soffocare con buste di plastica odiose insegnanti o fatto uccidere a colpi di mitragliatrice giornaliste impertinenti, eccolo passare all'azione.

Il momento scelto è più che mai significante: la morte della zia, l'unica persona che sapeva comprendere Walter, una via di fuga ed esempio per lui a dimostrazione che la vita non è soltanto opprimente insoddisfazione ma anche piacere e libertà. E così Walter saluta forse l'unica donna della sua vita consegnandola a un'ultima emozionante discesa, come un giro di giostra, e con la fila di parenti a inseguirla a perdifiato, per una volta smossi dalla rigidità e dal grigiore che li contraddistinguono.

Ma come per ogni ribellione, è necessario chiedersi: perché? Da cosa, o da chi? Quesiti a cui Walter stesso sembra in realtà non aver risposte precise. Risposte che potrebbero spiegarsi con una scrollata di spalle, o magari con un sospiro profondo e stanco. Il nemico di Walter è infatti qualcosa di indefinito, ma profondamente radicato nella quotidianità dei giovani della sua generazione: forse è noia figlia dell'agio, delusione per promesse in realtà mai fatte, l'eco di una società onnivora che acchiappa tutti nel vortice scaricandone gran parte.

Walter non è certo l'emblema di una generazione reale, ne è però forse un concentrato fatto di tanti aspetti che, singolarmente, sono riconoscibili per chi come lui ha affrontato o ancora affronta la difficile ricerca di un lavoro, di una persona da avere accanto, di un rapporto non conflittuale con la famiglia.
Il film, con le sue immagini e i suoi ritmi da spot pubblicitario, è quindi un agglomerato di tutto quello che non funziona nel mondo dei giovani. Un mondo dove a un funerale uno come Walter compie quel gesto facendo un po' l'eroe, ma l'istante dopo la colonna sonora gli ricorda che è un "povero stupido". Non c'è nemmeno il testo di godersi una qualche gloria, forse in fondo non esiste una vera alternativa, nessuna scappatoia alla triste realtà. E allora perché non lasciar rovinare giù dalla strada un carro funebre?

TAPPA N°1, Miracolo a Le Havre

Il commissario Monet arriva alla locanda del porto, in mano regge un ananas. Prende posto lasciando il frutto sul tavolo, poi ordina un Calvados alla proprietaria, la dolce Claire. Lei lo raggiunge e lo serve. Il commissario si dice dispiaciuto per aver arrestato l'uomo della donna tempo prima, ma lei non gli serba rancore. A quel punto Monet chiede: "Marcel Marx... ci tieni molto?". La donna gli sorride: "Oh, sì... molto".

La scena dell'ananas. Così è stata definita dal pubblico di CineComedy, e in molti l'hanno individuata come la scena madre dell'intero film di Kaurismäki. Non è che una delle varie tappe di un'indagine sulle tracce del clandestino Idrissa, un piccolo frammento che diventa gag, proprio per via di quell'ananas.

Ma nonostante, o forse proprio grazie a questo, si dimostra la maestria del regista finlandese nel concentrare l'essenza del film in un momento breve ed essenziale, quasi spartano.

Il commissario Monet è il cattivo della storia, un classico stereotipo che pare uscito fuori da un fumetto, vestito sempre rigorosamente di nero, non si scompone mai,  con lo scopo di fermare la fuga di Idrissa, un ragazzo clandestino. Come in una storia per bambini, il suo personaggio è chiaro e distinguibile sempre, il suo obiettivo anche. Poi però, a un certo punto, si presenta alla locanda con in mano un oggetto che non c'entra nulla con la sua immagine, i suoi modi, il suo ruolo, e che lo mette persino in ridicolo.

Si tratta di un elemento semplice e quotidiano, d'altronde è soltanto un ananas, ma che basta visivamente a dichiarare il decisivo cambiamento di direzione del commissario stesso, e quindi della trama. Monet non è più macchietta, ma un uomo con dei ripensamenti, non più insensibile davanti al calore e la solidarietà della gente di Le Havre attorno a Idrissa, e che soltanto lui si era ostinato a non raccogliere.

Il commissario Monet arriva dunque alla locanda con in mano il simbolo palese della sua nuova consapevolezza. Una buffa trovata da commedia come gesto di pace, un mezzo per spogliarsi finalmente della sua aura seria e impassibile e passare così dalla parte degli altri, dei buoni della storia. Kaurismäki segna questo passaggio decisivo con pochi tratti, quasi rarefatti ma chiari: le scuse di Monet alla locandiera per vicende passate, una domanda per sondare l'interesse della donna verso Marcel, l'uomo che nasconde il ragazzo, e non per ultimo l'ananas al loro fianco. Nient'altro, ma c'è tutto.

Più tardi il commissario va a fare visita alla casa di Marcel e con un tono che conserva le tracce della sua autorità gli fa capire che presto la polizia verrà a perquisirlo, meglio liberarsi "della merce da contrabbando". Sul finire, sempre Monet ispeziona una barca sul punto di salpare dal porto: dà un'occhiata giù nella botola, il giovane Idrissa è proprio lì rannicchiato, pronto alla fuga, ma Monet infine la richiude, ci si siede sopra come nulla fosse e offre una sigaretta a Marcel: "Lei fuma?".

Questi due episodi non sono sfuggiti al pubblico di CineComedy, non a caso sono proprio i momenti in cui la conversione del cattivo nella famiglia dei buoni avviene definitivamente. Monet diventa così l'emblema di ciò che il regista ha voluto regalare con la sua favola, ovvero i piccoli miracoli che sanno creare le persone, come quelle giù al porto di Le Havre.

CINECOMEDY: ITINERARI

Come ogni viaggiatore ben organizzato, anche Scena Madre si è procurato la mappa dettagliata con tutte le coordinate di CineComedy. E la vogliamo condividere con voi, il pubblico della rassegna, nostro compagno di viaggio in questi due mesi di cinema. Prendete carta e penna, dunque...

TAPPA N°1

Arrivo previsto: giovedì 14 giugno, ore 21,30.

Dove: Francia.

Da visitare: "Miracolo a Le Havre" di Aki Kurismäki.

Note di viaggio: la vita di un piccolo porto francese fa da teatro alla tenera e semplice umanità che lega i due protagonisti Marcel e Idrissa, un vecchio lustrascarpe e un giovane clandestino africano.

TAPPA N°2

Arrivo previsto: giovedì 21 giugno, ore 21,30.

Dove: Italia.

Da visitare: "Tutti giù per terra" di Davide Ferrario. 

Note di viaggio: nella Torino di quindici anni fa, un giovanissimo e azzeccatissimo Valerio Mastandrea ci fa sorridere ancora oggi sulle difficoltà dei giovani nel diventare grandi.

TAPPA N°3

Arrivo previsto: venerdì 29 giugno, ore 21,30.

Dove: Bosnia.

Da visitare: "La vita è un miracolo" di Emir Kusturica.

Note di viaggio: un paesino di montagna e i suoi amabili ed eccentrici abitanti, il tutto movimentato dalle atmosfere un po' malinconiche e un po' spensierate della musica balcanica.

TAPPA N°4

Arrivo previsto: giovedì 5 luglio, ore 21,30.

Dove: Italia.

Da visitare: "Into Paradiso" di Paola Randi.

Note di viaggio: a Napoli, parole come disoccupazione, camorra e corruzione possono diventare un'occasione per ridere. Almeno quando ci sono di mezzo il ricercatore Alfonso D'Onofrio, il candidato politico Cacace e la comunità srilankese del quartiere.

TAPPA N°5

Arrivo previsto: giovedì 12 luglio, ore 21,30.

Dove: Italia.

Da visitare: "Si può fare" di Giulio Manfredonia.

Note di viaggio: un volto noto della comicità nostrana, Claudio Bisio, nei panni di un ex sindacalista che affronta la realtà complicata delle cooperative sociali nell'Italia degli anni '80.

(DOPPIA) TAPPA N°6

Arrivo previsto: giovedì 19 luglio, ore 21,30.

Dove: Francia e Russia.

Da visitare: "Le donne del 6° piano" di Philippe Le Guay, a seguire "La maschera del demonio" di Mario Bava.

Note di viaggio: un tuffo negli anni '60, dapprima attraverso lo sguardo di un regista di oggi su una Parigi nascosta, dove ai piani alti di un condominio s'intrecciano tenere storie di donne di servizio, per poi passare a un cult dell'epoca, ovvero l'esordio del maestro dell'horror italiano tra streghe e vampiri.

TAPPA N°7, IL CAPOLINEA

Arrivo previsto: giovedì 26 luglio, ore 21,30.

Dove: Russia e Francia.

Da visitare: "Il concerto" di Radu Mihăileanu.

Note di viaggio: come ci si può riscattare, seppur in un modo piuttosto buffo e improbabile, a distanza di trent'anni. E' quello che ci mostra l'ex direttore d'orchestra Andreï Filipov e i suoi sgangherati compagni di viaggio verso Parigi.

Bene, la mappa è completa e ora sapete tutto anche voi. La possiamo riporre in valigia insieme a tutto il resto, e finalmente partire. Buon CineComedy!